Protocolo

“El diseño urbano como estructura compositiva para la pintura abstracta.”

Abstracción de la red viaria para la producción plástica.







Título

El diseño urbano como estructura compositiva para la pintura abstracta.

Subtítulo
Abstracción de la red viaria para la producción plástica.

Planteamiento del problema


El tema surge a partir de la observación de mi entorno, me parece muy interesante como se generan diferentes estructuras, a partir de las calles, que en su conjunto generan unos ritmos muy interesantes. Considero que este tema es muy importante ya que es una experiencia diaria, para las personas que como yo, vivimos en las grandes ciudades, ver nuestro entorno de una manera distinta, observar lo rico que puede ser en cuanto a color y ritmos. Investigar sobre este tema me acerca mas a mi entorno.

A mi manera de ver, (es lo que me interesa desarrollar en mi trabajo de tesis), el paisaje urbano lo compone, entre otros elementos, la estructura urbana de la ciudad . Al transitar por la ciudad, lo hacemos por las calles, estás a su vez van generando la red viaria. Las calles, junto con los edificios, en su conjunto le dan forma al paisaje de la ciudad. <>.1
La morfología urbana permite conocer cómo es una ciudad internamente (trazado de las calles, plazas y parques, forma de los edificios, etc.) y cómo se distribuyen estos elementos. El estudio del plano refleja las distintas estructuras urbanas. <>2. Los espacios públicos se van conectando unos con otros, para darle forma a la red o estructura urbana.
La palabra paisaje es uno de esos términos que nos va acompañando a lo largo de la historia y va cambiando y modificándose según las exigencias de cada época. El genero del paisaje ha tomado diferentes visiones en relación a los diferentes movimientos artísticos. El genero de paisaje se independiza de otros, adquiere auge en el siglo XVIII, con la pintura holandesa. El paisaje, aunque idéntico en el fondo, es diferente en la forma de interpretarlo en cada momento de la historia del arte.

Lo que me interesa es la reflexión experimental del paisaje, canalizada a través del filtro de la pintura. Mi trabajo esta enfocado hacia la pintura abstracta, especialmente en el expresionismo abstracto y el informalismo. Estas corrientes madre, sirven como base para nuevas propuestas contemporáneas. Lo que me interesa retomar de estas corrientes es la experimentación con la materia, así como con recursos como el collage o los cortes en las telas, para darle a la pintura un carácter de tridimencionalidad. Otra cosa importante que me interesa retomar es la espontaneidad en el acto de pintar. <>3.
El artista contemporáneo toma el tema del paisaje desde una visión que busca el dialogo entre el hombre y su entorno, en el que impera la sociedad industrial y las nuevas tecnologías. Como por ejemplo el trabajo del artista Thomas Struth, quien utiliza los espacios urbanos para composiciones paisajisticas en grandes formatos, pone en manifiesto los puntos de unión entre el pasado y el presente, como el tiempo a modificado la manera en la que se percibe el paisaje.

Objetivo General

Analizar, conocer y experimentar en una serie de pinturas, con el tema de las estructuras viarias como parte del paisaje urbano.

Objetivos Particulares

· Conocer y analizar las diferentes estructuras viarias que forman parte del paisaje urbano.
· Experimentar con los diferentes procesos técnicos para realizar una pintura abstracta.
· Realizar una serie de pinturas abstractas en las cuales se vea reflejado mi trabajo de investigación.

Propuesta o Hipótesis

El diseño urbano nos ofrece estructuras que nos dan diferentes posibilidades que podemos llevar al terreno de la plástica para la composición de un paisaje abstracto.

Contenido

En el primer capítulo se definen conceptos referentes a las estructura urbana, así como los prototipos de estas. Posteriormente se define el paisaje urbano en la pintura abstracta. Se retoman artistas de interés personal para analizar los recursos técnicos que emplearon en su obra, para posteriormente integrarlos a la propuesta plástica. Se retoma al expresionismo abstracto no para copiar sino para utilizar las herramientas plásticas que empleaba este movimiento artístico en la propuesta contemporánea.
En el tercer capitulo se llevan a la practica los conocimientos teóricos para realizar la propuesta plástica.

Índice Tentativo


Capitulo 1. La red viaria como estructura compositiva.

1.1 La red viaria.
1.1.1 La estructura urbana.

1.2 Prototipos de estructura urbana.
1.2.1 Sistema de Parrilla o retícula.
1.2.2 Sistema concéntrico radial.
1.2.3 Sistema lineal.
1.2.4 Sistema de varios centros.
1.2.5 Sistema de plato roto.


Capitulo 2. El paisaje urbano en la pintura abstracta.

2.1 El genero de paisaje en la pintura abstracta contemporánea.

2.2 El Expresionismo Abstracto como corriente madre para la propuesta de obra contemporánea .
2.2.1 Elementos plásticos utilizados por los artistas del expresionismo abstracto y del informalismo.
2.2.1.1 Textura materica y virtual.

2.2.1.2 Collage.
2.2.1.3 Otros recursos técnicos.

2.3 Artistas abstractos.



Capitulo 3. Abstracción de estructuras urbanas para componer el espacio pictórico.

3.1 Aplicación de la investigación a la producción plástica.
3.2 Desarrollo de a propuestas plástica.














Bibliografía


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- ECO,Humberto, “La estructura ausente”, Barcelona, Lumen, 1975, 510pp.

Las artes tradicionales / medios alternativos

Las artes tradicionales así como las nuevas tendencias como el performance y las instalaciones son de cierta manera distintos, desde el punto de vista temporal, cada uno se situa en un periodo de la historia y obedece a distintas necesidades, según la época en la que se desarrollan.

Con el transcurso del tiempo el arte se ha ido reestructurando. Como lo menciona Arthur Danto, en su estética después del fin del arte, en donde nos dice que, el fin del arte se sitúa en los años sesenta, a partir de este periodo se genera una reformulación que, tras el periodo del expresionismo abstracto, el arte tomo un camino distinto, hacia un nuevo tipo de crítica que pueda ser capaz de ayudarnos a entender el arte contemporáneo.

Hablar de las nuevas tendencias del arte, supone una liberación, el arte ya no tiene necesidad de ser una u otra cosa, ahora puede ser lo que ella quiera, esto quiere decir que el modo en el que se concibe el arte contemporáneo tiene que revisarse de acuerdo a las dimensiones de su época. Con el fin del arte llega una nueva era en la que se genera una ruptura por que el arte no podía seguir siendo lo que era. El arte contemporáneo no puede olvidarse de lo hay tras él, sino que dispone de estas armas para darles un nuevo uso. “Hoy los artistas no consideran los museos como si estuvieran llenos de arte muerto, sino como llenos de opciones artísticas vivas” 3. En los museos se encuentra depositada una mezcla de materiales reorganizados para dar origen a nuevos discursos.

El cambio en la concepción del arte, se genera desde la aparición de la obra de Marcel Duchamp, en esta época, va naciendo una nueva autoconciencia, se empieza a interesar sobre cuestiones acerca del ser y de su relación con el entorno, las inquietudes cambian, en lugar de pintar escenas costumbristas, “con la modernidad, las condiciones de la representación se vuelven centrales, de aquí que el arte, en cierto sentido, se vuelve su propio tema” 4 . Esta nueva época, llamado modernismo, se caracteriza por una nueva especie de conciencia, se le da mas importancia a la técnica y al proceso que a la misma representación mimética. El modernismo tiene varias connotaciones, por un lado es la noción de estilo, no siempre lo moderno significa lo mas reciente. El modernismo no se trata solo de un cambio de mirada, sino de un ascenso a un nuevo nivel de conciencia. El modernismo se distancia de la historia del arte previa y en ese distanciamiento se ubica una suerte de toma de conciencia. Esta toma de conciencia le quita autenticidad al relato de la pintura representativa tradicional, pero se erige a sí misma como uno nuevo: el relato del modernismo, la era de los manifiestos. El modernismo rompe con las creencias anterior, pero, al verse sin suelo, se apresura a erigirse a sí mismo como relato legitimador. Lo que va a suceder posteriormente con el arte contemporáneo es que para él ya no hay ningún relato legitimador que valga: la verdad filosófica del arte no queda cifrada a través del



discurso, sino que ella consiste, en todo caso, en que no hay una verdad del arte, no hay restricciones filosóficas para el arte. La crítica de arte no puede, pues, erigirse más como un relato legitimador; su tarea, si quiere ir al compás de los tiempos, tendría más bien que ser la de penetrar los innumerables disfraces de los que puede ahora servirse el artista para alcanzar la esencia del arte: responder a la pregunta qué es el arte.

La transición entre las artes tradicionales y los medios alternativos tuvo que ver con este cambio de mirada: a partir del modernismo, los rasgos de representación fueron secundarios mientras que antes habían sido fundamentales; se ha producido así un cambio de estilo que ha hecho que el arte se vuelque sobre sí mismo. El arte puro es el arte aplicado a sí mismo, a sus formas, y esta madurez se logró con el modernismo.

“El arte conceptual demostró que no necesariamente debe haber un objeto visual para que algo sea una obra de arte. En la medida en que las apariencias fueran importantes, cualquier cosa podría ser una obra de arte” 6 . Las nuevas propuestas artísticas de valen de medios alternativos, que reestructuran la concepción del arte, esto significa que se realiza un giro hacia la filosofía, hacia la reflexión para conocer lo que es el arte. Cuando se comenzó a entender que el arte podía ser cualquier cosa, en ese momento se pudo empezar a reflexionar sobre el arte mismo. Surge una liberación de la carga que tenia históricamente, que sirvió para comenzar a generar arte sin ningún sentido en especifico o con todo el sentido. Se comienza a apropiar imágenes para darles un significado nuevo.

“El modernismo había crecido demasiado, las pinturas no fueron mas ventanas hacia las escenas imaginadas, sino objetos con derecho propio” 7 . Al haberse respondido el arte de alguna manera la pregunta respecto de qué es arte, o más bien, al haber superado el arte mismo la pregunta respecto de qué es el arte, el arte contemporáneo se liberó de una carga. Se liberó de la historia: no tiene que legitimarse ante ella; puede disponer del pasado con el propósito que desee, incluso sin ninguno. Se liberó también de la filosofía: ella no le traza más los límites por los cuales debe andar.

“Con la llegada de la filosofía al arte lo visual desapareció: era tan poco relevante para la esencia del arte, que ni siquiera era necesaria la existencia de un objeto” 8, con esto nos quiere dar a entender que después del fin del arte aparece un arte conceptual el cual de la mas importancia al discurso de la pieza de arte que a la misma obra, con sus cualidades estéticas. La filosofía del arte ya no puede "preceder" al arte ni mucho menos predecir las rutas que ha de seguir, ella tiene que partir ahora de la experiencia sensible: de lo que el arte le presenta como arte. Y es exactamente en ese sentido como entiendo la cita que coloqué como resumen de esta exposición: la extraordinaria experimentación a que ha dado lugar el arte contemporáneo es ahora un terreno que la imaginación filosófica tiene por delante que descubrir e investigar.

Gilberto Aceves Navarro

Gilberto Aceves Navarro es un destacado exponente de la plástica mexicana que perteneció a la generación de la Ruptura, y ahora por primera vez en nuestro país se ofrece una muestra antológica con la exposición "Gilberto Aceves Navarro".

Esta exposición es la primera revisión de carácter antológico en torna a la obra de Gilberto Aceves Navarro, cuyo objetivo principal es ofrecer una visión retrospectiva de la producción del artista, y propiciar un mayor conocimiento del lugar que ocupa en el arte contemporáneo, al abarcar desde sus propuestas de contracorriente compartidas con los miembros de la generación de la ruptura, hasta sus creaciones de carácter conceptual, como la instalación y el arte objeto.En la exposición Gilberto Aceves Navarro se muestra la relación entre su trabajo al establecer un diálogo en el que se combinan la espontaneidad e improvisación con el ensayo racional propio del dibujo, para evidenciar que el dibujo y el proceso creativo son tan importantes como el resultado final. Al igual propone un recorrido por las diversas etapas que marcaron la formación y el desarrollo de un artista que se caracteriza por perseguir la estructura íntima de las cosas en la pintura y que formó parte de la llamada generación de Ruptura.


Además de creer que el arte es “un problema personal”, Gilberto Aceves Navarro sigue pensando que la clave para expresarlo, no está en la academia. Por el contrario, su idea del arte tiene que ver con la forma de encontrar una “solución plástica” que dependa exclusivamente de sus medios, “de la capacidad que tengo de ver, de inventar o de crear”, es decir, de una complicación propia que sugiera una visión nueva.

Tal vez por eso, cada ejercicio creativo que emprende tiene tras de sí la “rutina drástica de hacer dibujos y dibujos hasta llegar a pintar un cuadro que tenga vida, que resulte una palabra distinta de los demás, diferente de lo que usan los demás artistas”.
Con más de medio siglo de presencia artística, desde su primera exposición individual, Energía dirigida, montada en 1955 en la Galería Nuevas Generaciones; el pintor, grabador y escultor ha reunido más de cinco décadas de sus “esfuerzos (creativos), no todos logrados, algunos sí, algunos que alcanzan calidad y otros no” en la exposición Gilberto Aceves Navarro. Cinco décadas, una mirada, que se inaugura hoy en el Palacio de Bellas Artes, después de no exponer en el Palacio de mármol desde 1973.

En la muestra, curada por Luis Ruis, pero en cuya selección el artista metió “la mano un poquito”, se reúnen 454 obras entre pintura, dibujo, grabado y escultura agrupadas en diferentes series que exponen las etapas artísticas del pintor, desde sus primeros años, cuando junto a otros personajes como José Luis Cuevas, Manuel Felguérez y Vicente Rojo, creó el grupo conocido como La Ruptura, que propugnaba por una nueva visión para el arte mexicano.

Las obras exhibidas, señala, “lejos de ser absolutamente juicios estéticos, son simplemente juegos abstractos entre las formas que genero y la idea que tiene la gente de lo que tiene que ser arte. Eso de hacer arte es un problema personal que quiere develar todos los misterios de la materialidad en el arte, de qué son, los medios de los que me sirvo para hacer las cosas”.

La exposición se divide en tres núcleos, el primero abarca la consolidación artística de Aceves Navarro en un periodo en el que aún alterna entre lo figurativo y la abstracción, más adelante, en la segunda sección se exhiben autorretratos y series representativas de su obra como Decapitación de San Juan Bautista, Felipe II o Benito Juárez.