Protocolo

“El diseño urbano como estructura compositiva para la pintura abstracta.”

Abstracción de la red viaria para la producción plástica.







Título

El diseño urbano como estructura compositiva para la pintura abstracta.

Subtítulo
Abstracción de la red viaria para la producción plástica.

Planteamiento del problema


El tema surge a partir de la observación de mi entorno, me parece muy interesante como se generan diferentes estructuras, a partir de las calles, que en su conjunto generan unos ritmos muy interesantes. Considero que este tema es muy importante ya que es una experiencia diaria, para las personas que como yo, vivimos en las grandes ciudades, ver nuestro entorno de una manera distinta, observar lo rico que puede ser en cuanto a color y ritmos. Investigar sobre este tema me acerca mas a mi entorno.

A mi manera de ver, (es lo que me interesa desarrollar en mi trabajo de tesis), el paisaje urbano lo compone, entre otros elementos, la estructura urbana de la ciudad . Al transitar por la ciudad, lo hacemos por las calles, estás a su vez van generando la red viaria. Las calles, junto con los edificios, en su conjunto le dan forma al paisaje de la ciudad. <>.1
La morfología urbana permite conocer cómo es una ciudad internamente (trazado de las calles, plazas y parques, forma de los edificios, etc.) y cómo se distribuyen estos elementos. El estudio del plano refleja las distintas estructuras urbanas. <>2. Los espacios públicos se van conectando unos con otros, para darle forma a la red o estructura urbana.
La palabra paisaje es uno de esos términos que nos va acompañando a lo largo de la historia y va cambiando y modificándose según las exigencias de cada época. El genero del paisaje ha tomado diferentes visiones en relación a los diferentes movimientos artísticos. El genero de paisaje se independiza de otros, adquiere auge en el siglo XVIII, con la pintura holandesa. El paisaje, aunque idéntico en el fondo, es diferente en la forma de interpretarlo en cada momento de la historia del arte.

Lo que me interesa es la reflexión experimental del paisaje, canalizada a través del filtro de la pintura. Mi trabajo esta enfocado hacia la pintura abstracta, especialmente en el expresionismo abstracto y el informalismo. Estas corrientes madre, sirven como base para nuevas propuestas contemporáneas. Lo que me interesa retomar de estas corrientes es la experimentación con la materia, así como con recursos como el collage o los cortes en las telas, para darle a la pintura un carácter de tridimencionalidad. Otra cosa importante que me interesa retomar es la espontaneidad en el acto de pintar. <>3.
El artista contemporáneo toma el tema del paisaje desde una visión que busca el dialogo entre el hombre y su entorno, en el que impera la sociedad industrial y las nuevas tecnologías. Como por ejemplo el trabajo del artista Thomas Struth, quien utiliza los espacios urbanos para composiciones paisajisticas en grandes formatos, pone en manifiesto los puntos de unión entre el pasado y el presente, como el tiempo a modificado la manera en la que se percibe el paisaje.

Objetivo General

Analizar, conocer y experimentar en una serie de pinturas, con el tema de las estructuras viarias como parte del paisaje urbano.

Objetivos Particulares

· Conocer y analizar las diferentes estructuras viarias que forman parte del paisaje urbano.
· Experimentar con los diferentes procesos técnicos para realizar una pintura abstracta.
· Realizar una serie de pinturas abstractas en las cuales se vea reflejado mi trabajo de investigación.

Propuesta o Hipótesis

El diseño urbano nos ofrece estructuras que nos dan diferentes posibilidades que podemos llevar al terreno de la plástica para la composición de un paisaje abstracto.

Contenido

En el primer capítulo se definen conceptos referentes a las estructura urbana, así como los prototipos de estas. Posteriormente se define el paisaje urbano en la pintura abstracta. Se retoman artistas de interés personal para analizar los recursos técnicos que emplearon en su obra, para posteriormente integrarlos a la propuesta plástica. Se retoma al expresionismo abstracto no para copiar sino para utilizar las herramientas plásticas que empleaba este movimiento artístico en la propuesta contemporánea.
En el tercer capitulo se llevan a la practica los conocimientos teóricos para realizar la propuesta plástica.

Índice Tentativo


Capitulo 1. La red viaria como estructura compositiva.

1.1 La red viaria.
1.1.1 La estructura urbana.

1.2 Prototipos de estructura urbana.
1.2.1 Sistema de Parrilla o retícula.
1.2.2 Sistema concéntrico radial.
1.2.3 Sistema lineal.
1.2.4 Sistema de varios centros.
1.2.5 Sistema de plato roto.


Capitulo 2. El paisaje urbano en la pintura abstracta.

2.1 El genero de paisaje en la pintura abstracta contemporánea.

2.2 El Expresionismo Abstracto como corriente madre para la propuesta de obra contemporánea .
2.2.1 Elementos plásticos utilizados por los artistas del expresionismo abstracto y del informalismo.
2.2.1.1 Textura materica y virtual.

2.2.1.2 Collage.
2.2.1.3 Otros recursos técnicos.

2.3 Artistas abstractos.



Capitulo 3. Abstracción de estructuras urbanas para componer el espacio pictórico.

3.1 Aplicación de la investigación a la producción plástica.
3.2 Desarrollo de a propuestas plástica.














Bibliografía


- ALCOCK, Bentley “Entornos vitales: hacia un diseño urbano más humano”, Barcelona G. Gili, 1999.
- ARNHEIM, Rudolf "Arte y percepción visual" ,Alianza Editorial, 1980.
- BAZANT S., Jan “Manual de diseño urbano”, México Trillas, 1983.
- CORRAL y Becker, Carlos “Lineamientos de diseño urbano”, México Trillas, 1989.
- CULLEN, Gordon “El paisaje urbano: tratado de estética urbanística”, Barcelona Blume, 1978.
- FERRER Regales, Manuel “Sistemas urbanos”, Madrid,Síntesis.
- J. de S´agaro “Composición artística”, Leda,1980.
- José Antonino “La composición en el dibujo y la pintura”, Ceac, 1969.- MENDEZ Acosta, Mario Enrique “Métodos para el diseño urbano: un enfoque integral “, México Trillas, 2002.
- MONCLUS Fraga, Francisco Javier “Elementos de composición urbana”, Barcelona, 1998.
- MOSTABEI, Arian "Paisajismo, nuevo diseño en entornos urbanos",Sant Adriá , Barcelona 2003.
- MUNIZAGA Vigil, Gustavo “Diseño urbano: teoría y método” , Chile, Alfaomega.
- ORDEIG Corsini, José María “Diseño urbano y pensamiento contemporáneo”, México, Océano 1995.
- PHILIP, Alán "Lo mejor en espacios urbanos", Rotivision Somohanal, México, 1994.
- RIGOTTI,Giorgio “Urbanismo: la composición”, Barcelona Labor, 1962.
- SÁNCHEZ de Madariaga; Ines “Introducción al urbanismo”, Madrid, Alianza Editorial 1999.
- SCHJETMAN, Mario “Principios del diseño urbano/ambienta”, México Concepto, 1984.
- ANFAM, David “El expresionismo abstracto”, Barcelona, Destino, 2002.
- LUCIE Smith, Edward “ El arte hoy: del expresionismo abstracto al nuevo realismo”, Madrid, Catedra, 1983.
- EVERITT, Anthony “ El expresionismo abstracto”, México Labor, 1975.
- CIRLOT, Juan Eduardo “Informalismo”, Bacelona, Omega, 1959.
- “Arte abstracto y arte figurativo”, Barcelona, Salvat, 1974.
- GREENBERG, Clement “ Arte y cultura: ensayos criticos”, México, Paidos, 2002
- COR,Blok, “Historia del arte abstracto”, 3° ed. Madrid, Cuadernos Arte Catedra, 1992, 283pp.
- CHUHURRA, Lopez, “ Estetica de los elementos plásticos”, Barcelona, Nueva colección Labor, 162 pp.
- ECO,Humberto, “La estructura ausente”, Barcelona, Lumen, 1975, 510pp.

Las artes tradicionales / medios alternativos

Las artes tradicionales así como las nuevas tendencias como el performance y las instalaciones son de cierta manera distintos, desde el punto de vista temporal, cada uno se situa en un periodo de la historia y obedece a distintas necesidades, según la época en la que se desarrollan.

Con el transcurso del tiempo el arte se ha ido reestructurando. Como lo menciona Arthur Danto, en su estética después del fin del arte, en donde nos dice que, el fin del arte se sitúa en los años sesenta, a partir de este periodo se genera una reformulación que, tras el periodo del expresionismo abstracto, el arte tomo un camino distinto, hacia un nuevo tipo de crítica que pueda ser capaz de ayudarnos a entender el arte contemporáneo.

Hablar de las nuevas tendencias del arte, supone una liberación, el arte ya no tiene necesidad de ser una u otra cosa, ahora puede ser lo que ella quiera, esto quiere decir que el modo en el que se concibe el arte contemporáneo tiene que revisarse de acuerdo a las dimensiones de su época. Con el fin del arte llega una nueva era en la que se genera una ruptura por que el arte no podía seguir siendo lo que era. El arte contemporáneo no puede olvidarse de lo hay tras él, sino que dispone de estas armas para darles un nuevo uso. “Hoy los artistas no consideran los museos como si estuvieran llenos de arte muerto, sino como llenos de opciones artísticas vivas” 3. En los museos se encuentra depositada una mezcla de materiales reorganizados para dar origen a nuevos discursos.

El cambio en la concepción del arte, se genera desde la aparición de la obra de Marcel Duchamp, en esta época, va naciendo una nueva autoconciencia, se empieza a interesar sobre cuestiones acerca del ser y de su relación con el entorno, las inquietudes cambian, en lugar de pintar escenas costumbristas, “con la modernidad, las condiciones de la representación se vuelven centrales, de aquí que el arte, en cierto sentido, se vuelve su propio tema” 4 . Esta nueva época, llamado modernismo, se caracteriza por una nueva especie de conciencia, se le da mas importancia a la técnica y al proceso que a la misma representación mimética. El modernismo tiene varias connotaciones, por un lado es la noción de estilo, no siempre lo moderno significa lo mas reciente. El modernismo no se trata solo de un cambio de mirada, sino de un ascenso a un nuevo nivel de conciencia. El modernismo se distancia de la historia del arte previa y en ese distanciamiento se ubica una suerte de toma de conciencia. Esta toma de conciencia le quita autenticidad al relato de la pintura representativa tradicional, pero se erige a sí misma como uno nuevo: el relato del modernismo, la era de los manifiestos. El modernismo rompe con las creencias anterior, pero, al verse sin suelo, se apresura a erigirse a sí mismo como relato legitimador. Lo que va a suceder posteriormente con el arte contemporáneo es que para él ya no hay ningún relato legitimador que valga: la verdad filosófica del arte no queda cifrada a través del



discurso, sino que ella consiste, en todo caso, en que no hay una verdad del arte, no hay restricciones filosóficas para el arte. La crítica de arte no puede, pues, erigirse más como un relato legitimador; su tarea, si quiere ir al compás de los tiempos, tendría más bien que ser la de penetrar los innumerables disfraces de los que puede ahora servirse el artista para alcanzar la esencia del arte: responder a la pregunta qué es el arte.

La transición entre las artes tradicionales y los medios alternativos tuvo que ver con este cambio de mirada: a partir del modernismo, los rasgos de representación fueron secundarios mientras que antes habían sido fundamentales; se ha producido así un cambio de estilo que ha hecho que el arte se vuelque sobre sí mismo. El arte puro es el arte aplicado a sí mismo, a sus formas, y esta madurez se logró con el modernismo.

“El arte conceptual demostró que no necesariamente debe haber un objeto visual para que algo sea una obra de arte. En la medida en que las apariencias fueran importantes, cualquier cosa podría ser una obra de arte” 6 . Las nuevas propuestas artísticas de valen de medios alternativos, que reestructuran la concepción del arte, esto significa que se realiza un giro hacia la filosofía, hacia la reflexión para conocer lo que es el arte. Cuando se comenzó a entender que el arte podía ser cualquier cosa, en ese momento se pudo empezar a reflexionar sobre el arte mismo. Surge una liberación de la carga que tenia históricamente, que sirvió para comenzar a generar arte sin ningún sentido en especifico o con todo el sentido. Se comienza a apropiar imágenes para darles un significado nuevo.

“El modernismo había crecido demasiado, las pinturas no fueron mas ventanas hacia las escenas imaginadas, sino objetos con derecho propio” 7 . Al haberse respondido el arte de alguna manera la pregunta respecto de qué es arte, o más bien, al haber superado el arte mismo la pregunta respecto de qué es el arte, el arte contemporáneo se liberó de una carga. Se liberó de la historia: no tiene que legitimarse ante ella; puede disponer del pasado con el propósito que desee, incluso sin ninguno. Se liberó también de la filosofía: ella no le traza más los límites por los cuales debe andar.

“Con la llegada de la filosofía al arte lo visual desapareció: era tan poco relevante para la esencia del arte, que ni siquiera era necesaria la existencia de un objeto” 8, con esto nos quiere dar a entender que después del fin del arte aparece un arte conceptual el cual de la mas importancia al discurso de la pieza de arte que a la misma obra, con sus cualidades estéticas. La filosofía del arte ya no puede "preceder" al arte ni mucho menos predecir las rutas que ha de seguir, ella tiene que partir ahora de la experiencia sensible: de lo que el arte le presenta como arte. Y es exactamente en ese sentido como entiendo la cita que coloqué como resumen de esta exposición: la extraordinaria experimentación a que ha dado lugar el arte contemporáneo es ahora un terreno que la imaginación filosófica tiene por delante que descubrir e investigar.

Gilberto Aceves Navarro

Gilberto Aceves Navarro es un destacado exponente de la plástica mexicana que perteneció a la generación de la Ruptura, y ahora por primera vez en nuestro país se ofrece una muestra antológica con la exposición "Gilberto Aceves Navarro".

Esta exposición es la primera revisión de carácter antológico en torna a la obra de Gilberto Aceves Navarro, cuyo objetivo principal es ofrecer una visión retrospectiva de la producción del artista, y propiciar un mayor conocimiento del lugar que ocupa en el arte contemporáneo, al abarcar desde sus propuestas de contracorriente compartidas con los miembros de la generación de la ruptura, hasta sus creaciones de carácter conceptual, como la instalación y el arte objeto.En la exposición Gilberto Aceves Navarro se muestra la relación entre su trabajo al establecer un diálogo en el que se combinan la espontaneidad e improvisación con el ensayo racional propio del dibujo, para evidenciar que el dibujo y el proceso creativo son tan importantes como el resultado final. Al igual propone un recorrido por las diversas etapas que marcaron la formación y el desarrollo de un artista que se caracteriza por perseguir la estructura íntima de las cosas en la pintura y que formó parte de la llamada generación de Ruptura.


Además de creer que el arte es “un problema personal”, Gilberto Aceves Navarro sigue pensando que la clave para expresarlo, no está en la academia. Por el contrario, su idea del arte tiene que ver con la forma de encontrar una “solución plástica” que dependa exclusivamente de sus medios, “de la capacidad que tengo de ver, de inventar o de crear”, es decir, de una complicación propia que sugiera una visión nueva.

Tal vez por eso, cada ejercicio creativo que emprende tiene tras de sí la “rutina drástica de hacer dibujos y dibujos hasta llegar a pintar un cuadro que tenga vida, que resulte una palabra distinta de los demás, diferente de lo que usan los demás artistas”.
Con más de medio siglo de presencia artística, desde su primera exposición individual, Energía dirigida, montada en 1955 en la Galería Nuevas Generaciones; el pintor, grabador y escultor ha reunido más de cinco décadas de sus “esfuerzos (creativos), no todos logrados, algunos sí, algunos que alcanzan calidad y otros no” en la exposición Gilberto Aceves Navarro. Cinco décadas, una mirada, que se inaugura hoy en el Palacio de Bellas Artes, después de no exponer en el Palacio de mármol desde 1973.

En la muestra, curada por Luis Ruis, pero en cuya selección el artista metió “la mano un poquito”, se reúnen 454 obras entre pintura, dibujo, grabado y escultura agrupadas en diferentes series que exponen las etapas artísticas del pintor, desde sus primeros años, cuando junto a otros personajes como José Luis Cuevas, Manuel Felguérez y Vicente Rojo, creó el grupo conocido como La Ruptura, que propugnaba por una nueva visión para el arte mexicano.

Las obras exhibidas, señala, “lejos de ser absolutamente juicios estéticos, son simplemente juegos abstractos entre las formas que genero y la idea que tiene la gente de lo que tiene que ser arte. Eso de hacer arte es un problema personal que quiere develar todos los misterios de la materialidad en el arte, de qué son, los medios de los que me sirvo para hacer las cosas”.

La exposición se divide en tres núcleos, el primero abarca la consolidación artística de Aceves Navarro en un periodo en el que aún alterna entre lo figurativo y la abstracción, más adelante, en la segunda sección se exhiben autorretratos y series representativas de su obra como Decapitación de San Juan Bautista, Felipe II o Benito Juárez.

julio galán. pensando en tí.

Elegí esta exposición, no por la tematica, sino más bien por la forma de solución plástica. Su pintura es muy expresiva, creo que lo importante en una obra, es que le cause alguna sensación al espectador, eso es lo que me interesa de la obra de este artista.

Es una retrospectiva que reúne selectas obras con las que el artista mexicano, maestro entre los grandes de la pintura del siglo XX, alcanzó presencia internacional. Mediante la ironía y el humor, Galán presenta las tradiciones mexicanas, su historia, el arte popular, sus colores brillantes cargados de significado y, por otro lado, muestra su propio universo: sus miedos, su sexualidad, sus mitos y deseos más profundos.En la efervescencia artística de la década de 1980, Julio Galán destacó en la escena mexicana con una propuesta sorprendente y audaz. Originario de Múzquiz, Coahuila, se instaló desde temprana edad con sus hermanos en Monterrey, Nuevo León, en donde posteriormente estudió Arquitectura. A los 21 años tuvo su primera exposición en la Galería Arte Actual Mexicano de Monterrey, de Guillermo Sepúlveda. A partir de entonces, la obra de Julio Galán atrajo a críticos, seguidores y coleccionistas.

La muestra curada por el crítico de arte Guillermo Sepúlveda se exhibe en un área de mil setenta mts.² , donde el visitante podrá realizar un recorrido cronológico por la extensa producción de Julio Galán, iniciando desde los cuadros que recrean los sueños de la infancia, hasta los que recogen los más encarnizados juegos de su presente, acentuados por la sensualidad y religiosidad que aparecen en intermitencias. También se verán reflejados los movimientos contradictorios interiores que luchan por alcanzar la identidad total y que, en la obra de Galán, oscilan como un péndulo que viaja del impulso animal de volver al seno materno —el jardín y los sueños de la infancia— a la voluntad de romper el cordón umbilical y enfrentar todo riesgo.

Sobre las fuentes formales y las que potenciaron el registro emocional de Julio Galán, Sepúlveda señala su gran diversidad: “la pintura popular mexicana, la de retablos, calendarios y rótulos, así como el pop art estadounidense. Como referentes, el trabajo y la cercanía con Andy Warhol, la pintura de Julian Schnabel, Anselm Kiefer, Jean Michel Basquiat, Sigmar Polke y Francesco Clemente. Las tiras cómicas; el tipo de cuadros que se exhiben y venden en las mueblerías y tiendas de segunda mano; cierta iconografía típica de las tiendas porno; las ilustraciones de cuentos infantiles, Francis Picabia, René Magritte, Francis Bacon y, por supuesto, Frida Kahlo”.Siguiendo los consejos de Lowery Sims, prestigiada curadora de arte del siglo XX del Museo Metropolitano de Nueva York y conocedora del fenómeno artístico contemporáneo, Julio Galán decidió mudarse a esa ciudad, en donde su trabajo consiguió una amplia proyección internacional. Sims visitó en 1983 el estudio de Julio Galán en Monterrey y de inmediato confirmó, con asombro, el valor y la singularidad de su expresión artística: “Su obra se distingue por su enigmática habilidad para transmitir la intensidad de sus sentimientos filtrada a través de una simbología sofisticada y, sin embargo, no evidente. Su habilidad para transitar por múltiples situaciones y culturas, para mediar la contemporaneidad con la tradición y, para permanecer fiel a su peculiar visión, sin caer presa de convencionalismos estereotipados, indica que es una fuerza con la que hay que enfrentarse en el mundo del arte (…) y, aún ¡no cumple los 30 años!”.

La vida de Julio Galán cambió en 1988 cuando, gracias a Francesco Pellizzi, conoció a Annina Nosei, quien había descubierto a Basquiat y a Schnabel. A pesar de que el artista aún no gozaba de fama alguna dentro de la escena artística neoyorkina, Nosei colocó los cuadros de Galán en colecciones y museos importantes: sus cuadros se vendieron por sí solos. A partir de entonces, llegaron muchas exposiciones incluyendo la del Georges Pompidou.Conocer la obra de Galán es adentrarse a un mundo inusual, sorprendente, reflexivo y, a veces, doloroso. Una catarsis continua en la que el artista provoca identidades diversas. Con su pintura y su ropa Galán presenta laberintos, enredos, pistas y obstáculos. Un mundo mágico y misterioso donde no todo es bello. Julio Galán es pintura en esencia revelando una calidad inusitada en sus originales composiciones.La exposición Julio Galán. Pensando en ti, organizada originalmente por el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, se presenta con el propósito de manifestar que en México como en el mundo, Julio Galán es un maestro entre los grandes de la pintura del siglo XX, reconocido y admirado más en el extranjero, sólo baste ver la lista de las colecciones que integran la muestra para corroborarlo.

Deficición del problema de investigación

Analizar el paisaje urbano, para poder encontrar patrones de organización, como por ejemplo las vistas aéreas de las ciudades, al ver todo en su conjunto, podemos encontrar ciertos patrones que construyen el paisaje.

-Titulo
Estructuras armónicas en el paisaje urbano.

-Subtitulo
Estructuras compositivas en el diseño urbano.

-Origen e importancia de la investigación
El tema surge a partir de la observación de mi entorno, me parece muy interesante como se generan diferentes estructuras, a partir de las calles, que en su conjunto generan unos ritmos muy interesantes. Considero que este tema es muy importante ya que es una experiencia diaria, para las personas que como yo, vivimos en las grandes ciudades, ver nuestro entorno de una manera distinta, observar lo rico que puede ser en cuanto a color y ritmos. Investigar sobre este tema me acerca mas a mi entorno.
El genero del paisaje ha tomado diferentes visiones en relación a los diferentes movimientos artísticos. Mi interés esta enfocado hacia la pintura abstracta. Los artistas abstractos de la entreguerra miraban sus entornos como punto de referencia para materializar sus metáforas de lo real. Cualquier referencia del mundo natural vendrá de la mano de lo metafórico, como por ejemplo las obras de artistas como Mondrian o Kandinsky.
El artista contemporáneo toma el tema del paisaje desde una visión que busca el dialogo entre el hombre y su entorno, en el que impera la sociedad industrial y las nuevas tecnologías. Como por ejemplo el trabajo del artista Thomas Struth, quien utiliza los espacios urbanos para composiciones paisajisticas en grandes formatos, pone en manifiesto los puntos de unión entre el pasado y el presente, como el tiempo a modificado la manera en la que se percibe el paisaje.

-Objetivos generales
Tomando como punto de partida estos patrones, traducirlos en estructuras compositivas, con las cuales experimentar con todas las posividades compositivas. Experimentar con diferentes estructuras compositivas, utilizando texturas matericas, para generar los pesos y direcciones, tensiones, así como también utilizar el contraste de color.

-Objetivos específicos
Partiendo de las estructuras urbanas, traducirlas a formas oníricas, pero partiendo del paisaje, para poder experimentar con las diferentes posibilidades de composición.

- Contenido
El paisaje urbano es el medio en que me desenvuelvo como persona, por lo tanto me parece muy interesante todas las posibilidades que este nos ofrece, como lo dice el artista chileno Waldo Bravo, " tengo especial interés en el paisaje urbano, por que es en el territorio donde nuestra relación con el tiempo y con nuestras verdades se sincronizan y se actualizan".
Por otra parte, otra de mis inquietudes es la composición plástica, por que es parte fundamental, en el caso de la pintura abstracta, esta es la que nos va a ayudar a estructuras el espacio pictórico. De cierta manera es hablar del espacio en el que me desarrollo como individuo, así como también hablar en el espacio pictórico, se tienen que llevar cierto orden para que se pueda entender.
Todo cuadro, o configuración visual es una composición, que es un conjunto de elementos que el artista organiza. Este orden, además es resumido en un esquema en el que se presentan diversas masas y fuerzas visuales.
Componer implica una búsqueda creativa, es una de las actividades en las que le hombre puede hacer valer su intuición, pero también es una búsqueda racional.
La composición es la disposición equilibrada de los elementos de la imagen que se ordenan para expresar sensaciones favorables en un espacio determinado. La distribución de estos elementos debe realizarse en función de una estructura interna que tenga una significación clara o una intención coincidente con el mensaje que se quiera transmitir.
Al plantearse una estructura compositiva, o al analizar una composición, conviene tener presente los siguientes conceptos: el encuadre, el formato, los centros focales, la anulación, los colores, la luminosidad, el contexto y la propia estructura derivada del conjunto de todos los anteriores elementos.

-Hipótesis
Conocer y experimentar las posibilidades de las estructuras compositivas que nos ofrece el paisaje urbano.

-Bibliografía
ARNHEIM Rudolf "Arte y percepción visual" ,Alianza Editorial, 1980.

PHILIP, Alán. "Lo mejor en espacios urbanos", México,Rotivision Somohanal , 1994.

MOSTABEI, Arian . "Paisajismo, nuevo diseño en entornos urbanos" , Barcelona, Sant Adriá de Besos, 2003.

NOREGA, Juli Esteban. " Elementos de la ordenación urbana", Barcelona, Edicions UPC, 1998.

BAZANT, S. Jan. " Manual de diseño urbano", México, Trillas, 1983.

SCHJETNAN, Mario, et. al. " Principios del diseño urbano ambiental", México, Concepto, 1984.

J. de S´agaro. " Composición artistica", Leda, 1980.

RIGOTTI, Giorgio. "Urbanismo: la composición", Barcelona, Labor, 1962.

ORDEIG, Corsini, José María. " Diseño urbano y pensamiento contemporaneo", México, Oceano, 1995.

Antonino, José. " La composición en el dibujo y la pintura", Ceac, 1969.

MUNIZAGA, Vigil Gustavo. " Diseño urbano: teoria y método", Alfaomega.

SANCHEZ, De Madariaga Inés. " Introducción al urbanismo", Madrid, Alianza, 1999.

FERRER, Regales Manuel. " Sistemas urbanos" Madrid, Sintesis.

CORRAL y Becker, Carlos. "Lineamientos de diseño urbano”, México, Trillas, 1989.

MONCLUS,Fraga Francisco Javier.“Elementos de composición urbana”, Barcelona, 1998.

CULLEN, Gordon. “El paisaje urbano: tratado de estética urbanística”. Barcelona, Blume, 1978.

- Índice tentativo

Introducción

Capitulo 1. Diseño urbano

- Historia del diseño urbano.
- Bases para el diseño urbano.

Capitulo 2. El paisaje urbano.

- El paisaje urbano en la pintura.

Capitulo 3. La armonía en las estructuras del paisaje urbano

Sachiyo Nishimura

Sachiyo Nishimura es licenciada en arte de la Universidad Católica y con estudios posteriores de fotografía en Barcelona.
Sus trabajos se han centrado en fotomontajes, dentro del marco de una investigación de paisajes urbanos situados en zonas limítrofes, tales como estaciones de trenes, zonas industriales y arterias de entradas y salidas de la ciudad de Santiago:
"Las imágenes de estos espacios son fácilmente reconocibles –estación, zona industrial- pero difícilmente identificables -cuál estación, o cuál zona industrial-. Son paisajes que, a pesar de ocupar grandes extensiones espaciales, se han vuelto casi imperceptibles en el contexto cotidiano, manteniéndose al margen del ritmo de la ciudad contemporánea, adquiriendo una cierta condición de espacio anónimo pero universal.
Los fotomontajes que he realizado con anterioridad intentan reconstruir matemáticamente el esquema de observación del paisaje. El proceso para lograr este objetivo comienza por la captura fotográfica del paisaje, y sobre esta imagen inicial se ha aplicado una serie de operaciones matemáticas de fragmentación, superposición y ampliación. Esta etapa, previa a la total recomposición de la imagen que se despliega en el fotomontaje, es la que queda expuesta en la exhibición Esquemas de Composición".

Me interesó la obra de esta artista por la tematica que maneja, el paisaje urbano, que es el tema que quiero tomar para mi investigacion. En cuanto a la solucion, no tal vez me pueda servir, aunque no estoy interesada en la fotografia, pero podria ser una pauta para la realizacion de mi trabajo.

"Cabalgando al tigre"
El título de la exposición se refiere a una de las pinturas contenidas en la muestra y que a decir del artista expositor alude a la práctica zen de "mantener la atención en un punto", que en su caso lo enfocó al desarrollo de su quehacer plástico. "A partir de los años 80 surgió la temática del budismo, cuando yo estaba totalmente confundido". Venegas se integro a las practicas budistas, que marcaron su obra claramente, asi como la forma de ver la pintura.
Esta muestra nos presenta el trabajo del artista, desde hace 17 años, podemos ver una evolución en cuanto a su trabajo y la temática, las cosas que le han interesado y las conclusiones a las que ha llegado en este largo proceso de investigación que se ve reflejado en su obra plástica. En este proceso ha tratado de encontrar el significa de la pintura, por lo tanto de él mismo.
Germán Venegas al igual que Julio Galán, pertenecen a la corriente neomexicanista, su obra esta cargada de simbolismo y de iconografía religiosa (santos, alebrijes, ángeles, calacas, diablos y muñecos. En sus obras podemos encontrar elementos que se mezclan, como los elementos cristianos (cristos, santos y personajes de la Pasión) y paganos (templos griegos, cónsules romanos) prehispánicos y europeos; la magia y la religión, el pasado y el presente.Pero también se puede observar en su obra una clara influencia del expresionismo alemán así como del neoexpresionismo, en esta etapa incorpora esculturas mutiladas y grotescos relieves a sus apocalípticos cuadros cargados de ironía.
Su obra se acerca a la estética catastrófica, con el desencanto de la historia, se vuelca mediante iconos devastados por la idea de la guerra o por la erosión mental de la sociedad de consumo. Paisajes desolados, cuerpos desmembrados o símbolos que hacen referencia a las hecatombes humanas aparecen una y otra vez expresados en vigorosas pinceladas, atrevidas composiciones o irónicos temas. En la ultima parte de la exposición, que comprende obra que Venegas realizo en los últimos años, podemos ver unas obras que están inspiradas en la lectura e interpretación de El Castigo de Marsias del pintor Tiziano, estas piezas demuestran la vigencia de su fortaleza visual.
Las pinturas me parecieron muy interesantes ya que utiliza texturas matericas, que forman relieves dentro del cuadro, haciendo que la obra se vuelva tridimensional, yo lo vi como una especie de fusión, ya que el en sus inicios era se dedico a la escultura en madera, se puede ver algo de ese trabajo en sus pinturas, trata de integrar la pintura y la escultura, para crear una nueva propuesta.

En cuanto a la temática que el maneja, su preocupación es la cotidianeidad, las contradicciones que pueden existir en este mundo, el sentir humano, como la ansiedad, el dolor, así como el enfrentarse a ellos. se ha dedicado a investigar las
filosofías y religiones de China, Japón, India, así como el mundo grecorromano y precolombino, enriqueciendo su obra con una nueva percepción de la vida y de la
muerte, representando en sus pinturas y dibujos recientes deidades e iconos orientales y occidentales. En su obra podemos ver la influencia que ha dejado el estudio de todas estas culturas, que han enriquecido su obra. Un mensaje que transmite su obra es que, a través del arte se puede llegar a conocer el interior del ser humano.
Me intereso mucho esta exposición ya que podemos ver como la obra de Venegas es muy actual, ya que su obra se ha ido renovando, proponiendo de acuerdo al entorno y el tiempo que se esta viviendo. Su obra es un claro ejemplo de que la pintura no ha muerto, por que aun hay muchas cosas que decir. Germán Venegas fue parte de la "generación olvidada" al explicar que en los años 90 el arte conceptual fue el protagónico y "se dejó de lado la generación de artistas de Germán, por esa razón me intereso ya que podemos ver hoy en día, que su obra esta vigente.
Su obra me intereso ya que él maneja la escultura y la pintura, dos cosas que son de mi interés, pero lo que mas me atrajo de su obra es esta fusión que hace de la escultura con la pintura, asi como el manejo de los recursos como los empastes, colocar en el lienzo objetos, pero en una forma en la que estos objetos se fusionan con la pintura. Podria ser una especie de esculto-pintura, algo que a mi me gustaria experimentar. En cuanto a la tematica, no me intereso mucho, lo que podria retomar de este artista son los aspectos tecnicos, que pienso que podrian enqiquecer mi obra.